LA PRINCESA MONONOKE (MONONOKE HIME) | Reviews de películas

(ALARMA DE SPOILER)

Parece que el viento del este está soplando para traer brisas geniales. Y corrigiendo los chismes, intentemos hoy descifrar al genio plateado, a la sombra de Disney. Representamos, peregrinos y laicos, Hayao Miyazaki.

Recordamos al lector que el contenido que nos espera es un análisis breve, conciso y humilde de los aspectos clave de la película. Marque el significado de la composición dentro de la obra.

A pesar del título con el que decidimos titular el artículo, hablaremos de Mononoke Hime y no de la Princesa Mononoke. La explicación es muy sencilla: no es una historia de princesas que necesitan ser salvadas, sino una historia de guardianes, de mujeres guerreras que necesitan luchar. Sin embargo, nuestra protagonista no es una princesa, sino una guardiana del bosque, un espíritu guardián.

 

No hay tiempo que perder, ponte manos a la obra con:

Una batalla entre la naturaleza y la humanidad. En un remoto pueblo de montaña en el extremo norte de Japón, Ashitaka, el último joven guerrero del clan Emishi en peligro de extinción, se ve obligado a matar a un monstruo para proteger a su pueblo. Descubra que la criatura con forma de jabalí es una de las
los dioses protectores del bosque. Cuando lo matan, cae sobre él una maldición, que toma la forma de una cicatriz en su brazo y se extiende gradualmente. Ashitaka emprende un viaje a las tierras del clan Tatara, donde espera comprender el origen de la misteriosa maldición antes de que le quite la vida. Allí conoce a Lady Eboshi, una gran mujer y una verdadera líder. En el camino, se ve envuelto en una amarga lucha entre dos pueblos en desacuerdo y una carrera por los dioses del bosque. En una de esas batallas, Ashitaka conoce a San, Mononoke hime, una joven criada por lobos y dispuesta a morir para derrotar a los humanos. Entre batallas, persecuciones, amputaciones y bombardeos, una historia llena de sorpresas
hechos fantásticos.

COMPOSICIÓN, MONTAJE Y ESPACIOS

Miyazaki pretende ser sutil pero directo. Quiere ayudarnos a comprender la película en su forma y sustancia. Es por eso que la potencia del primer cuadro es crucial. Nos presenta una imagen de montañas cubiertas de bosque, marcando así el aspecto antiguo, sabio y natural. También informamos de la abundante niebla que envuelve este paisaje, que solo sugiere algo escondido, misterioso y / o algo que hay que esconder y proteger. La naturaleza nos inundará, pero como vemos en el siguiente plano, el dios demonio, también representante de la naturaleza, para bien o para mal, se lleva la vida de cada planta viviente a su paso. La naturaleza, por sí misma, también será un enemigo. Tenga en cuenta que partimos de arriba con un movimiento de cámara hacia abajo, porque no descubrimos nada si decimos que es una historia de dioses. Dioses atípicos, sí, al
menos para el mundo occidental, porque con este movimiento intentan hacernos entender que lo divino no está en el cielo sino en la tierra, que nos sostiene y protege y en ocasiones puede incluso volverse contra nosotros.

Numerosos proyectos en la ciudad del hierro marcan el conflicto entre el ser humano y la modernidad. Usando un ejemplo cercano, en Shokugeki no Sōma cuando Sōma llega a su futura escuela de cocina se nos presenta un edificio en una gran montaña o una gran montaña con edificios rodeándola, una perversión arquitectónica, una de las mejores acentuaciones del conflicto que tienen. visto. Ninguno de los dos mundos es adecuado y exclusivo para los humanos. Los grandes desniveles, picos y troncos interminables; Las cabañas con altos e inmensos accesos, la situación geográfica de la ciudad de El Hierro. No tienes que domesticar sino equilibrar, esta sería la frase definitoria en este caso.

Un último aspecto a destacar es la asonancia del montaje. Por un lado, el demonio jabalí destructor de vidas desaparece por el segmento derecho de la pintura y Ashitaka montando a Yakul, sin desaparecer, hacia el segmento izquierdo de la película. También marcando el conflicto entre los personajes desde el principio.

COLOR

Al hacer un breve párrafo sobre la presencia y el sentido del color en la obra, podríamos fijar nuestra atención en el rojo. El tocado de Ashitaka, la camisa de Eboshi, las pinturas tribales y la mancha de sangre en la boca de San por atacar como un lobo con su arma más poderosa.
En estos tres casos compartimos la pigmentación roja en un sentido premonitorio y conectivo. Precursor en el sentido de que ya hemos visto momentos de batalla específicos, pero qué tan fuerte es
obtener. La sed de sangre, guerra o paz es incalculable en cada uno de ellos. El ejemplo más llamativo, como decíamos, es el de San. El predominio carmesí se encuentra en su rostro, más específicamente en su boca. Todos somos conscientes de que un ser humano en sociedad no tiene la boca manchada con la sangre ajena. Con ellos destacamos el aspecto salvaje de San y la ira que se desborda para traer paz al bosque y mantener a los humanos alejados de él.
Conectivo en el sentido de que la tríada principal tiene sus objetivos, medibles con los del otro, y solo podríamos hablar de oponentes entre San y Eboshi. Finalmente decir que aunque nuestros protagonistas han experimentado una evolución psicológica a lo largo de la película, no quiere
dicen que ya no pueden tener en cuenta las características rojas. Han cambiado, pero las heridas, abiertas o curadas, siempre estarán con ellos como una lección de vida.

BANDA SONORA

Compuesto por Joe Hisaishi, se nos presenta una banda sonora, en comparación con otras cintas, algo más maduro, fuerte y oscuro, más que oscuro. En primer lugar, especificamos que cada personaje, sea cual sea su momento psicosociológico, tiene su propio tono y melodía. El aspecto más importante podría ser la interacción de silencios y sonidos conjugados a lo largo de la película. Tener un sonido no implica que el silencio no domine y viceversa. La presencia del silencio llena la escena solo de sonido, lo llamamos el lenguaje del sonido, el sonido narrativo.

FEMINISMO

San, Mononoke Hime, cuyos padres la abandonaron y que fue criada por lobos, es el mejor personaje de la película. Es atlética e inteligente, además de fiel a sus creencias y a su gente, a quienes no la abandonan. Demasiado terca, ambiciosa y poco habladora. La relación con la «madre loba», Moro, y sus hermanos es de gran relación y afecto.

Lady Eboshi, dama de Irontown. Su comportamiento con los más desfavorecidos es ejemplar, acogiendo a los más marginados de la sociedad. Sin embargo, sus acciones frente a la naturaleza son
despreciable y el más salvaje. Eboshi es una líder amada y respetada por su gente. Cumpliendo con su deber, habría sido, aunque no sin sentido del humor, y una buena guerrera.

En la película hay un equilibrio entre la presencia de hombres y mujeres. Pero el caso es que podríamos considerar esta película rompiendo violentamente moldes y jerarquías. Ninguna mujer se queda en casa para cuidar a alguien o hacer algún trabajo. Mujeres dedicadas al trabajo que las alimenta sin ser juzgadas ni sumisas. Mujeres al frente de ejércitos y ciudades. Mujeres temidas. Mujeres.

Estamos ante una historia que utiliza al hombre como aliado en una lucha por la tierra, el poder, el materialismo, etc. La industrialización como arma de doble filo. La representación del mundo masculino es claramente el personaje de Ashitaka. Gran energía para ayudar a quien lo necesite, poco cambio en el arco de carácter y gran aliado tanto de Eboshi como de San, dependiendo del caso manteniéndose fiel a cualquier creencia o cayendo en viles deseos.

Esta es una historia dedicada a las mujeres, a todas, buenas o malas, enérgicas y trabajadoras o enfermas; loba o el «chamán» de pueblos lejanos. Porque como nos enseña la historia, no solo nuestro punto de vista o nuestras obras de valor nos definen, sino también nuestra redención del rumbo imparable del destino.

MITOLOGÍA Y FILOSOFÍA

Solo una nota rápida: tanto Japón como Europa son culturas y países muy longevos. Comparando al gran japonés con el gran norteamericano, es necesario aclarar por qué la temática de la película es tan importante, no solo en la filmografía del director y en el país de origen, sino también en la historia del cine. En ausencia de una epopeya medieval y ancestral, como hacen los otros ancianos, el western estadounidense es la leyenda artúrica del poder mundial. Por eso la acción y la epopeya deben perdurar, no solo en la historia, sino en el arte. Japón cuenta con mucha frecuencia su época feudal o su época imperialista, como lo hacen sus libros, pero siempre es mejor revivir estas historias dándoles frescura, diferentes puntos de vista y cierto atractivo, aunque sean batallas trágicas.

Como toque final, combinemos ambos conceptos principales en esta última sección. Nadie dijo que la filosofía de la naturaleza no pueden ser las criaturas creadas por la cultura popular y la religión imperante en la época narrada en la cinta. Las criaturas que protegen, custodian, cuidan y hacen crecer el bosque son la razón del verde, lo culto, la luz, el frescor y el atractivo que ofrece el gran jardín.
Uno de los protagonistas, como es recurrente en el cine japonés, cualquiera que sea el género, y en el cine, es la naturaleza, en todas sus formas.

Un protagonista que tiene su propio arco de personajes. Una gran personificación. El hecho de que exista una mística protectora no es nada nuevo en ninguna cultura. Y el final de la
La película nos enseña nada más que la naturaleza, la humanidad misma, si es posible, puede vivir sin grandes dioses y fuerzas, trabajando con generosidad hacia los demás y buen trabajo con los elementos.

Kodamas, lobos, jabalíes, monos, un ciervo majestuosamente fiel, agua purificadora, señor de los espíritus, buenos, malos. Venid todos a compartir y crecer, a conocernos.
Vayamos todos juntos, después de haber disuelto algunas dudas, para revivir quizás la historia más hermosa jamás escrita y dibujada de una empresa que salvó al mundo.